1950年第1号（薰衣草之雾） by 波洛克

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Number1, 1950 (Lavender Mist), Jackson Pollock(USA), 1950, Abstract Expressionism/Gesturalism, Oil, enamel and aluminium, paint on canvas, 221 x 300 cm, National Gallery of Art, Washington, DC

1950年第1号（薰衣草之雾），波洛克（美国），1950年，抽象表现主义/手势派（Gesturalism），油彩、法郎颜料、铝、绘制于画布上，221×300厘米，国立美术馆，华盛顿

杰克逊·波洛克（1912-1956）处于抽象表现主义的最前沿，他在1947-1950年创立的滴画风格，一直是名人和评论界的关注点。在这些颇具革命性的作品中，波洛克把未完全撑开的画布平铺在画室地面，然后将房屋用的珐琅颜料倾倒、滴注上去。这样形成的视觉效果，用波洛克自己的话说，是“让人能看到的能量和动作”的旋风。

评论家克莱门特·格林伯格（Clement Greenberg）将这幅作品命名为“薰衣草之雾”，不过波洛克只用数字和日期为这些滴画起名。尽管实际上没有使用薰衣草色，但灰色、棕土色和暗黑的玫瑰色创造出虚无缥缈的色调，仿佛某种光环。波洛克将自己的手印围绕在构图的外围边缘。这些记号是他在图像中真实存在的信号，强调出画作表面的平整。相对而言，无数串颜料似乎表达出无限之感，甚至让人想起宇宙空间的流动。

波洛克的少年时代在洛杉矶度过，因此熟悉了印度灵性导师克里希那穆提的理念，对荣格的心理学也有所了解，这让他终生对先验的理念充满兴趣。评论家为他充满能量的作品授予“行动绘画（Action Painting）”的称号，而他的典范作用影响了此后一整代艺术家，他们将画家的动作作为主要的表现手法。尽管CIA指派波洛克和抽象表现主义艺术家们配合他们的反共产主义计划，但这些艺术家们的作品很快成为一个转折点，也是众多后续先锋派艺术趋势的新起点。

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【说明：以上文字内容，部分译自《30,000 Years of Art》，纯属个人爱好，英文版权仍归原作者所有，转载请标明出处。by 郑柯-Bryan】

线性结构2号（变奏1号）by 诺姆·加博

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Linear Construction No. 2 (Variation No. 1), Naum Gabo(Russia), 1950, Constructivism, Perspex and Nylon Monofilament, H: 61 cm, Addison Gallery of American Art, Andover, Massachusetts,

线性结构2号（变奏1号），诺姆·加博（俄罗斯），1950年，构成主义，有机玻璃和尼龙纤维，高：61厘米，美国艺术艾迪生画廊，安多弗，马萨诸塞州

俄罗斯雕塑家诺姆·加博（1890-1977）是“动态艺术（Kinetic Art）”的先锋人物，与构成主义联系紧密。构成主义运动源起于1917年十月革命之后的俄国，其目的是要创建一种全新的艺术，以此表达新的共产主义秩序，也就是将艺术作为社会改造的工具。在1920年代，构成主义成为国际化运动，当时加博开始考虑艺术如何表达现代性，因此，他使用当代的材料，创作的雕塑已经完全偏离了西方的艺术传统。

把尼龙纤维绑在一个有机玻璃框架上，这是“线性结构2号”的制作方法，它还说明了加博的一个理念：描绘空间，不一定必须要表现物质。尼龙丝线创造出多层不可穿越的平面，用加博的话说：产生了“一个活着的表面”。该作品超越了本身的材质：光线在丝线上舞动，它们之间的空间、观者的朝向、雕塑的物理材质，三者同样重要。加博使用空间和时间作为构成元素，作品的固体物质在时空中消解、重组。

加博创作了26个版本的线性结构，各自在大小和构成方式上有所不同，这些作品极富原创性。他的技法和对塑料等现代材质的使用，被很多艺术家采用。加博在1922年离开莫斯科，在欧洲多个国家居住；1946年，搬到并永久定居美国。

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哈德逊河风光 by 大卫·史密斯

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Hudson River Landscape, David Smith(USA), 1951, Abstract Expressionism, Welded painted stell and stainless stell, W: 187 cm, Whitney Museum of American Art, New York

哈德逊河风光，大卫·史密斯（美国），1951年，抽象表现主义，焊接上色铁与不锈钢，宽：187厘米，美国艺术惠特尼美术馆，纽约

在1950年代，大卫·史密斯（1906-1965）称自己的作品为“空间绘画”，这件“哈德逊河风光”集中体现了他的说法。他的雕塑没有以传统手法表现三维空间的体积，而是想要抵抗重力，像是一系列线性的动作和开放的平面，在空中漂浮、延展。

大卫曾经乘坐火车在奥尔巴尼、波基普西（Poughkeepsie）和纽约之间旅行，当时他完成了很多素描，这些素描最后演变成了这件“哈德逊河风光”。

长年以来，史密斯着迷于天空与大地之间的关系、直立的人与其所处的水平铺开的周边环境之间的关系；只能辨认出一部分的谜语和诸多有方向的线条交杂在一起，表现出了他的这种着迷。而且，仅仅是雕塑一片风景这种想法，就已足够有开创性。

早年，史密斯在印第安纳州的一家汽车工厂里担任焊接工，那是他首次使用工业化材料工作。此后，他在纽约的“艺术学生联盟（Art Students’ League）”学习绘画和素描。他在那里遇到了欧洲现代主义和抽象艺术。在接下来的25年之中，史密斯一手创建了绝佳的雕塑风格，在他手中，钢铁从工业化材料变为高雅艺术的媒介。就此而论，他的成就激发了诸多年轻的雕塑家，其中最著名的，当属安东尼·卡罗爵士。

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一体之六 by 巴奈特·纽曼

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Onement VI, Barnet Newman(USA), 1953, Abstract Expressionism, Oil on Canvas, 259 x 304 cm, Private Collection

一体之六，巴奈特·纽曼（美国），1953年，抽象表现主义，布面油画，259×304厘米，私人收藏

巴奈特·纽曼为自己这一系列威严有力的绘画作品命名为“拉链（zip）”系列。在这些作品中，一条或几条垂直的线穿过一块巨大的彩色区域，今天这幅“Onement VI”就是其中之一。在“Onement VI”中，闪闪发光的“拉链”与它浮动其上的大块深蓝色对话，两种力量因此形成张力。构图的大尺寸强化了自己的力度，纯净的颜色体量像要吞没观者，标题中的“一体（onemoment，即有形的联合，或是浑然一体）”理念因此得以体现。

巴奈特·纽曼（1905-1970）相信：美国和欧洲艺术，包括立体主义、超现实主义、乡土风格（Regionalism）和现实主义，这些都已经走入下坡路，需要全新的绘画形式。他把自己1940年之前的大部分作品都悉数破坏，开始把主要精力放在自己的神秘而抽象的风格之上。纽曼常常被与所谓的“色域绘画（colour-field painting）”联系在一起，这是抽象表现主义的一个分支，如何使用持久不变的连续色彩来吸引观者，是他们探索的方向。色度的选择和构图的次序相对简单，以此提升整体在形象上的影响。最重要的，是方向感、抬升感和敬畏感。这样的绘画对后来的艺术运动影响深远，特别是极简主义，后者选择非个人的、甚至是工业化的生产方式（比如贾德的“无题”）。相比来说，纽曼的方法在这幅“一体之六”隐约起伏的画作表面上体现得很明显——他希望观者能够与他的画形成共鸣，他也将自己的画视为在情感上明显的承担者。

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教皇英诺森十世肖像的习作 by 弗朗西斯·培根

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Study After Velazquez’s Portrait of Pope Innocent X, Francis Bacon(UK), 1953, Expressionism, Oil on Canvas, 153 x 118 cm, Des Moines Art Center, Des Moines, Iowa

教皇英诺森十世肖像的习作，弗朗西斯·培根（英国），1953年，表现主义，布面油画，153 x 118厘米，得梅因艺术中心，得梅因，衣阿华

弗朗西斯·培根（1909-1992）没有接受过正式的艺术培训，也没受过多少教育。他曾在柏林和巴黎过着很边缘化的生活，此后才定居伦敦，并获得一系列工作，包括装修和运营一家非法赌场。尽管他是自学成才，他所接受的文学和艺术上的影响十分广泛，包括古希腊的剧作家埃斯库罗斯、诗人和批评家T.S.艾略特，还有艺术家费尔南·莱热、毕加索、梵高和委拉斯开兹。后者为他1950年代的“尖叫教皇”系列带来灵感。

 

培根的作品领域广泛，除拍照之外，他甚至还会绘制自己最亲密的朋友，而且经常在一件作品中组合不同来源的元素。尽管这幅惊人的画像着重强调了对委拉斯开兹的英诺森十世肖像的研究，但也从谢尔盖·爱森斯坦（Sergei Eisenstein）的电影《波特金号战舰》中吸收了灵感，其中有个被射中眼部的女人在前景尖叫的镜头。培根的教皇也在自己的王座上尖叫，他被封锁在一个框架中，这框架类似笼子或是折磨人用的设施。培根绘制了很多类似被困在框子里的怪异风格的人物画像，这是人类状态的象征，他们的痛苦同样出现在画家戏剧般的油画处理中。

 

尽管培根利用了超现实主义和表现主义，但他从未加入任何现成的流派或是现代主义运动。

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大游行 by 费尔南·莱热

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The Great Parade, Fernard Leger(France), 1954, Modernism, Oil on Canvas, 300 x 400 cm, Guggenheim Museum, New York

大游行，费尔南·莱热（法国），1954年，现代主义，布面油画，300×400厘米，古根海姆博物馆，纽约

小丑、荡秋千的演员、音乐家、杂技演员，他们在这幅“大游行”中的黑白框架周围开心地腾跃；蓝色、绿色、橙色和红色的形状响应了蒙德里安使用的调色板。在一战的战壕里面，费尔南·莱热（1881-1955）遇到了来自各行各业的士兵们，他开始感到：有必要要为一般人创作大众化的艺术。他常常使用马戏团作为母题，将其视为社会的水平仪，因为它迷惑了来自社会各个层面的人。

1907年，巴黎的秋季沙龙举办了塞尚回顾展，这深深影响了莱热，他因此放弃了自己受到野兽派启发的风格，并开始研究有体积感的立体主义。

在他服役期间，莱热对机械产生了狂热的新区，这让他与建筑师勒·柯布西耶的纯粹派运动产生共鸣，后者看重秩序、精确和现代产品。“大游行”中的人物周围环绕着批量生产的物品，构成人物的，是简化的、机器般的几何形状。在完成之前，曾经有100多幅素描，有些可以追溯到1947年；这幅充满喜乐的“大游行”最终版完成于莱热死前一年，也是他终生追求的艺术形式的高峰，他希望自己的艺术能够让广大民众欣赏。

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交织字母 by 罗伯特·劳申伯格

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Monogram, Robert Raushenberg(USA), Assemblage/Neo-Data, 1955, Mixed Media, 107 x 160 x 162 cm, Moderna Museet, Stockholm

交织字母，罗伯特·劳申伯格（美国），装配艺术/新达达主义，1955年，混合媒体，107x160x162厘米，当代美术馆，斯德哥尔摩

1950年代中期，抽象表现主义在美国艺坛占主导，罗伯特·劳申伯格（生于1925年）和他的密友贾斯培·琼斯，两个人的作品借助波普艺术抢占先机，取代了抽象表现主义的统治地位。劳申伯格原本是美国海军的神经心理技师，当时他去访问了一个画廊，从此就对艺术产生了兴趣。杜尚和其现成作品（read-made）的传统、超现实主义者和他们的自然艺术品（found object）中体现出来的荒诞主义、特别是科特·史维塔斯（Kurt Schwitters）以及他收集垃圾和日常平庸之物作成的Merz拼贴作品，这些都对劳申伯格的创作方法有贡献。

1950年代中期，劳申伯格开始了他的“组合绘画”，命名来自于其中融合的技巧。它们混合了雕塑、绘画和照相，充满对“罅隙”的隐喻，这知名的“罅隙”是劳申伯格感到并提出的，存在于艺术和生活之间。“交织字母”（1955-1959）包括一只填充的安哥拉山羊和它腰部的一只橡皮轮胎。它站在粗略绘制的一块板上，这块板安置了脚轮，而且上面飞溅着颜料，让人想起“动作绘画（Action Painting）”。

这件作品是新达达主义的典范，也是波普艺术的先驱，打破了高雅和低俗艺术之间的界限，打破了绘画和客体之间的界限，打破了艺术和生活之间的界限。

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到底是什么让今天的家庭如此不同，如此吸引人？ by 理查德·汉密尔顿

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Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing?, Richard Hamilton, 1956, Collage on Paper, 26 x 25 cm, Kunsthalle Tubingen, Tubingen

到底是什么让今天的家庭如此不同，如此吸引人？，理查德·汉密尔顿，1956年，纸上拼贴，26×25厘米，图宾根艺术馆，图宾根，德国

这幅理查德·汉密尔顿（生于1922年）的纸上拼贴作品，被认为是第一幅波普艺术作品。在1956年伦敦白教堂画廊举办的“这就是明天”的展览上，它被安放在入口的位置。这次展览现在被视作不列颠波普艺术的第一次展览，汉密尔顿的作品就是它的公众代言人，而且影响了一代艺术家。

在1957年，汉密尔顿在一封信中勾勒出了波普艺术运动，称其为“大众化（目标为广大人群）、短暂（短期解决方案）、易耗（很容易遗忘）、低成本、大量制造、年轻化（瞄准年轻人）、诙谐、性感、巧妙、迷人、大生意”。

这幅拼贴中，充斥着来自广告和杂志中有各种意义和符号的图像：一对半裸的现代夫妇在自己家中，旁边围绕着战后的丰裕生活大量制造出来的各种家居和装备。代替艺术品 位置的，是一个罐装火腿、一幅漫画，他们上面浮动着一个巨大的月亮。健身的男人挥舞这一个巨大的棒棒糖，上面写着“Pop”，这也许是波普艺术对所欣赏之物的证明，也是提醒人们要谨慎消费者的人工之物。

汉密尔顿的艺术学习和研究多种多样：他上过威斯敏斯特理工学院（Westminster Technical College）、皇家美术学院和莱德美术学院（Slade School of Fine Art）。他也曾作为商业艺术家，为EMI唱片公司工作。这些传统和商业的混合经历，有助于他探索高雅与通俗艺术之间的区别和界线。

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1959年8月（阿尔戈利斯） by 本·尼克尔森

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1959, August (Argolis), Ben Nicholson, Oil and pencil on masonite, 122 x 230 cm, Private Collection

1959年8月（阿尔戈利斯），本·尼克尔森，1959年，油彩与铅笔在纤维板上作画，122×230厘米，私人收藏

这幅画作于瑞士南部的一个工作室里，那里可以鸟瞰马乔雷湖。画幅巨大，如同描绘出来的浮雕，似乎合并了桌上的静物和工作室窗口看出去的风景。瓶瓶罐罐的形状得以简化，用铅笔描绘，在三条腿的桌上跳舞、浮动；右下方蓝色的部分感觉像是湖水，左侧的棕色背景可能是收到了后面山的启发。除了使用颜料和铅笔外，尼克尔森剐蹭硬纤维板的表面，形成浮雕效果。静物主题，以及将现实生活物体简化为简单的形状，这都让人回忆起立体主义；作品中流动而又精简的线条类似于马蒂斯的作品。

这是1950年代后期的几幅大型静物作品之一，感情丰富的线条、鲜明的形状、微妙的颜色，一切形成了音乐般的构图。尼克尔森所有作品的标题都具有某种特别的精确性，尽管实际上的地点或者使用的名字可能跟画作没多少关系，甚至一点关系都没有。对他来说，这只是“一种用来识别行李的标签”。阿尔戈利斯是希腊伯罗奔尼撒的一个县。

本·尼克尔森（1894-1982）是一个静物和肖像画家的儿子，他是欧洲大陆与英伦三岛两地艺术家之间的重要一环。在1930年代，他定义了英国的现代主义。从1924年开始，他成为圣艾夫斯流派的代表人物，与他人一起，将康沃尔郡（Cornish）建立为现代主义绘画的一个诞生地。

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夏夜月光 by 金焕基

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Moonlight of Summer, Kim Whan-ki, 1961, Oil on Canvas, 194 x 196 cm, National Contemporary Art Museum, Seoul

夏夜月光，金焕基，1961年，布面油画，194×196厘米，国立当代美术馆，首尔

整个二十世纪从头到尾，中国和韩国的艺术家们一直在努力求索，想要找出自己风格，既可以融合他们的西方艺术经验，又想传承本民族文化传统。金焕基（作品署名Suhwa，1913-1974），是韩战前后最重要的抽象艺术家。尽管1970年代有批评家指控他只为了艺术而艺术，避免战后韩国痛苦的社会现实，但在世纪末，他仍然最受公众爱戴。

金焕基努力将西方和韩国的艺术形式融合，探索几何形状的特性，特别是圆和直线。1963年迁居纽约之后，他迷上了点。他一直对颜色的力量表现出深刻感觉，蓝色的神秘吸引着他，似乎成为了他家乡的体现。

金焕基在日本受训，但是他的早期作品表现出他对立体主义和乔治·勃拉克的艳羡。此后，尽管1959-1969年呆在巴黎，对本民族文化的爱开始在他的作品中闪现，他开始转向传统韩国画家钟爱的主题，包括山、月亮和星辰，还有鹤以及高丽王朝时期（1392-1910）的瓷器。

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